Jung; el poeta y la poesía

Carl Gustav Jung es un referente de la psicología, su pensamiento fue ampliamente lúcido y sus teorías, como las de los arquetipos y el inconsciente colectivo son imprescindibles para el que quiera formarse en psicología o simplemente, para entender un poco más al ser humano. Más allá de esas teorías y otros postulados cuestionables, o de plano nocivos para la persona, que también defendía; hoy les quiero compartir mis reflexiones alrededor de un particularísimo ensayo suyo llamado “Psicología y poesía”.

Carl Gustav Jung

Primero debemos entender  (al igual que Jung en su ensayo) a la poesía en su sentido clásico, “poiesis” que significa “creación” o “producción”. Por ende, el poeta será todo creador artístico y la poesía será toda obra de arte. Con respecto al arte, quizá jamás podremos explicarla científicamente, pero Jung tuvo muy en claro que la Psicología es la ciencia ideal para relacionarse con el arte, en particular con la literatura, hablamos de una relación de apoyo y complementación. La Psicología no podrá englobar al arte pero si es capaz de describirla, de esclarecer su misterio en cierta medida.

Del alma salen todas las ciencias y del alma sale toda obra de arte (Jung, 1976, p. 9).

Para entender una obra de arte, sería de mucha ayuda entender la psicología personal del artista, del creador, pero quedarse solo en ello sería un error.  La auténtica obra de arte, va más allá de su creador y pasa a ser un tesoro de toda la humanidad.

El poeta se alza sobre lo ordinario, recoge en su alma lo más alto de sus vivencias y plasma con contundencia la expresión artística. Su creación, su poética, transporta al lector a una claridad de las cosas; lo lleva a sí-mismo y a esbozar lo más elevado de la humanidad. La conformación poética transfigura la conciencia humana (Jung, 1976, p. 12).

Si hablamos del proceso de creación artística, Jung, considera que es un proceso claramente psicológico en cuanto el poeta, mediante lo que comprende y conoce es que puede conformar su obra (1976, p.12). Y razón no le falta, también fue prudente al no decir que es un proceso puramente psicológico, pues ya podemos ver el alto factor espiritual que se encuentra presente.

Jung propone que tenemos “material psíquico” para la creación artística:

  • La pasión y sus destinos
  • Los destinos y su padecer
  • La naturaleza eterna, sus bellezas y sus espantos

Jung (1976, p. 18) nos cuenta que en el arte se integra lo inconcebiblemente elevado hasta lo grotesco y perverso. Mientras él elogiaba ambos extremos, hay voces más prudentes que consideran que el arte más elevada, debe buscar siempre la belleza y no lo grotesco. Pero eso no quiere decir que no se pueda usar lo bajo, como recurso para esta búsqueda ¿Qué sería del Siddhartha de Hermann Hesse, sin sus crisis y dolores del alma que se presentaron en su camino a la iluminación? La gran poesía es la que toca el alma de la mismísima humanidad.

Es el poeta entonces quien tiene la voz de miles y de miles de miles. Él es quien retrata y transforma la conciencia (o del inconsciente colectivo como diría Jung) de su época y de las posteriores. Un ejemplo valioso de esta idea sería nuestro Julio Ramón Ribeyro, ampliamente conocido por ser la voz de los que no tienen voz.

Muy a menudo, al poeta le toca sacrificar todo lo que al hombre ordinario le brinda una serena felicidad y todo lo que hace de su vida, más llevadera (Jung, 1976, p.22). El poeta tiene dentro suyo, una dualidad. Están su hombre común y su genio creativo, en constante conflicto, para ver quien se impone, pero en verdad es una lucha de nunca acabar en lo que dure la vida.

Tener el genio creativo es un don muy escaso, muy raro entre los hombres y como todo objeto raro, tiene un precio elevado que el poeta paga, en mayor o menor medida, con su propia vida.

Jung nos da esta figura: Es como si todo hombre naciera con una energía vital. Lo que ocurre con el poeta es que su arte demanda mucha energía vital, dejando muy poca para el desarrollo de la vida cotidiana. Esto no es necesariamente inevitable, al fin y al cabo es solo una metáfora, pero no por nada existen términos como “artista incomprendido” y “poeta maldito”, también se puede echar un vistazo al cómo vivieron muchos de los más grandes (y no tan grandes) artistas de la historia: unos victimarios y otros víctimas de vidas colmadas en desenfreno y excesos mundanos.

«El Jardín de los Poetas» de Vincent Van Gogh.
Es bien sabido que Van Gogh fue un alma atormentada que vivió muchas penurias en su paso por la tierra.

El auténtico poeta es un médico curador de heridas, que lleva una llaga abierta.

Todo lo mencionado, nos muestra que el poeta, es alguien excepcional, su esencia y estado de conciencia está elevado por encima de los demás. Pero eso no lo vuelve un superhombre, al final sigue siendo de carne y hueso, sigue teniendo una voluntad e inteligencia sujeta al error, no tiene la vida resuelta y puede ser que ni siquiera esté plenamente consciente de su genio, y esto no es novedad. Ya Sócrates en su apología lo había notado, Platón es quien nos lo narra: “Así pues, también respecto a los poetas me di cuenta, en poco tiempo, de que no hacían por sabiduría lo que hacían, sino por ciertas dotes naturales y en estado de inspiración […] En efecto también estos dicen muchas cosas hermosas, pero no saben nada de lo que dicen”. (1985, p. 156)

Para darle un ejemplo importante a la propuesta de Jung, podemos pensar en Franz Kafka, gran referente de los artistas que pusieron en el centro de sus creaciones a la mente del individuo, el viaje interior y el diálogo con lo profundo del inconsciente (Giardini et al. 2017, p. 129).

Hermann Hesse es otro excelente ejemplo, de un artista que se sumerge en la interioridad del ser (sin mencionar que tuvo influencia directa de Jung, a quien conoció personalmente) terminaré mi texto con unas líneas de Hesse, que son oportunas para retratar gran parte de lo expuesto:

“El que yo tenga habitualmente en el campo de la conciencia, el círculo de las cosas que me interesan, no decide sobre el valor  y la supremacía de mi yo; solo significa que entre el círculo de la conciencia y lo inconsciente mantengo buenas relaciones, unas relaciones flexibles y dúctiles”. (2007, p. 163)

Hermann Hesse, escritor. Autor de obras maestras como el Lobo Estepario; Siddhartha y Bajo la rueda

Referencias

Giardini, A.; Baiardini, I.; Cacciola, B.; Maffoni, M.; Ranzini, L. y Sicuro, F. (2017). Comprende la Psicologí­a. Carl Gustav Jung: El inventor de la psicología analítica. Barcelona: Editorial Salvat, S.L.

Hesse, H. (2007). Pequeñas alegrías. Madrid: Alianza editorial.

Jung, C. G. (1976). Formaciones de lo inconsciente. Buenos Aires: Editorial Paidós.

Platón (1985). Diálogos I. Madrid: Gredos.

TRES HISTORIAS SOBRE ARTE SIN FRONTERAS

Una marinera majestuosa, una pintura de acuarela armoniosa y una versión teatral de “Hamlet” cantada en Hip Hop. Estas tres historias tienen como protagonistas a personas con habilidades diferentes, que vencieron estereotipos para darse un espacio en el mundo del arte. Demostrando que el arte es flexible e inclusivo.

Historia 1: Marinera en Silla de Ruedas

En la clausura de los Juegos Parapanamericanos del año 2019, se presentó una pareja que ofreció un espectáculo maravilloso al bailar Marinera. Cabe recalcar, que esta presentación fue la más ovacionada por el público y es que uno de los bailarines demostró que para expresar un arte no hay límites.

Javier morales lleva 10 años bailando Marinera y es el único bailarín campeón mundial que realiza este arte en silla de ruedas.  Bien, ¿qué fue lo que le inspiró para poder seguir sus sueños? Pues, la repuesta la brindó él mismo en una entrevista web para Perú 21, donde indicó que su fuente de inspiración proviene de su familia, que siempre estuvo ligada a la cultura peruana. Además de recordar que en sus reuniones familiares bailaban al compás del cajón y la guitarra. También, mencionó que su primo hermano es Gino Morales, quien es campeón laureado de marinera.

Es así que, al estar rodeado de una familia que cultiva diversos tipos de arte, Javier Morales, no se inmutó para continuar con el legado familiar y se dedicó a bailar marinera desde el año 2008.

Para concluir con esta primera historia, se rescata tres frases expresadas por Javier Morales en la cual denota una actitud positiva de la vida y una alta capacidad de sobreponerse a las dificultades. Las frases son las siguientes:

  • La única diferencia es que tú bailas con tus pies y yo con mi silla
  • El mensaje que quiero transmitir al bailar, es: “Los sueños sí se cumplen”
  • Considero que mi condición no es una debilidad al contrario es una fortaleza.

Historia 2: Pintando sin brazos

«Soy como un pájaro carpintero. No tengo brazos y tengo que estar picando. Tengo un cuello de boxeador porque camino con bastones y muletas, ejercicios que me han servido para tener fuerza muscular en el cuello y picar madera».

Son las palabras de Félix Espinoza, que padece de agenesia (no tiene brazos ni piernas) y esta condición es de nacimiento. Félix es natural de la Oroya y su madre adoptiva fue la directora del colegio “La Alegría en el Señor”.

Félix cuenta que estaba cursando la primaria, cuando en una clase de arte la profesora le presentó materiales para hacer un collage, cuando entre los materiales ve el pincel sintió que su alma y espíritu estaban ahí. Tomó el pincel con su boca y comenzó a pintar, su profesora notó sus aptitudes para la pintura, por ello, le dieron la oportunidad de estudiar una beca de Arte en el extranjero.

Estudiar en el extranjero le ayudó a mejorar sus técnicas e incursionar en el tallado de madera y pintado de murales. El trabajo de Félix es fino, delicado y digno de admirar. La temática de sus pinturas es de mitología ancestral peruana y costumbrista. Su obra ha sido expuesta en galerías de diversos países, donde ha tenido que aprender a lidiar con la incredulidad de quienes no creen que él es autor de sus obras.

Asimismo, la calidad de sus pinturas ha hecho que Félix participe de concursos, donde menciona que ha sido calificado por la calidad de su trabajo más no por su condición. Y es precisamente, una de las innumerables ventajas que proporciona el arte, el hecho de que ya no se mire a la persona desde una mirada vertical, al contrario, nos dirigimos a ellos de forma horizontal.

¿Cómo describir a Félix Espinoza? Como un ser humano que desborda alegría, de buen sentido del humor, con un gran talento y que nunca se amilanó para conseguir sus metas. Pues, la frase que le caracteriza es: “Con fe amor y perseverancia se puede lograr tus objetivos”.

Historia 3: Una obra de teatro inclusiva

¿Qué significa para ti mi vida? ¿Cómo te haces cargo de esta realidad? “Estoy aquí, pero no me quieres ver”
(Fuente: El Comercio)

Son las frases que forman parte de una obra de teatro basada en Hamlet, donde el elenco estaba conformado por actores con síndrome de Down y uno con discapacidad Intelectual. Esta obra de teatro fue puesta en escena en Lima, en el Teatro La plaza el año 2019 y la persona encargada de dirigir la obra fue Chela de Ferrari.

¿Cómo es que inició esta aventura? Chela de Ferrari, es una reconocida dramaturga y directora de teatro, que ha dirigido varias obras en su mayoría con temas de Shakespeare. Hamlet era un proyecto que lo iba descartando porque no encontraba a su protagonista. Por otro lado, Jaime Cruz, era un anfitrión con Síndrome de Down que trabaja en las butacas del teatro La Plaza, y que al enterarse que Chela buscaba un protagonista para Hamlet, decidió presentarse a la audición.

Cuando ambos personajes se encontraron en el casting, Chela de Ferrari se dio cuenta al instante que había encontrado al protagonista de su obra y decidió que su elenco estaría conformado por personas con habilidades diferentes.

Chela de Ferrari, comentó que tuvo que vencer sus propias creencias acerca de su elenco y es que expertos en esta condición le indicaron que los chicos con Síndrome de Down sólo podían trabajar como máximo una hora, sin embargo, este mito se rompió porque el elenco logró ensayar por cuatro horas todos los días durante un año.

También, mencionó que estaba expectante por la respuesta del público, afortunadamente, la recepción de los espectadores fue positiva, ya que, después de ver la obra varios afirmaron que se iban conociendo mejor la condición de Síndrome de Down.

Para lograr este efecto en el público Chela de Ferrari partió del lema icónico de Hamlet: “Ser o no ser”. A partir el cual realizaron el guion y lo musicalizaron, así cada actor contó sus experiencias a través de canciones.

Chela de Ferrari, logró en los espectadores una mirada empática hacia la condición de Síndrome de Down y en los actores la posibilidad de mostrar su mundo interno sin miedo. Además, la dramaturga destacó la ética y profesionalismo de su elenco, así como su capacidad de dar sugerencias creativas durante los ensayos que por supuesto fueron tomadas en cuenta por la directora.

Todo se consiguió gracias a Chela de Ferrari, quien fue una buena líder que trató con respeto a este grupo de chicos con Síndrome de Down y les dio la oportunidad de poder demostrar que para ellos no hay obstáculos para alcanzar sus sueños solo les hace falta espacios para brillar.

Elenco de «Hamlet» (2019)

ARTE COMO MEDIO DE INCLUSIÓN SOCIAL

Un gran problema que han tenido que vencer las personas con discapacidad, es el tema de inclusión social, sobre todo cuando existe el estereotipo de que discapacidad es igual a deficiencia. En cambio, si se considera a este grupo como aquellas personas que son diferentes en hacer sus actividades o funciones, las posibilidades de desarrollarse como seres humanos se extienden. Por ello, se va a cambiar el término de “persona con discapacidad” por uno más amigable que es: Persona con diversidad funcional o habilidades diferentes (Herrador, 2017).

El grupo de personas con diversidad funcional, es definida por la ONU como: “Personas que presentan deficiencias físicas, mentales, intelectuales o sensoriales a largo plazo que, al interactuar con el entorno, encuentran diversas barreras, que pueden impedir su participación plena y efectiva en la sociedad, en igualdad de condiciones con los demás ciudadanos”.

Y es cierto, la principal barrera que deben superar este grupo es el de encontrar espacios más inclusivos. Las tres historias que se relataron son un gran ejemplo de que por medio del arte es posible vencer desigualdades, ya que, el arte es unificador.

También, es relevante detenerse y mirar a este grupo de personas con diversidad funcional y brindarles espacios de desarrollo en diferentes ámbitos. Ya que, es una realidad que no es ajena a nosotros, tal como afirma Malena Pineda Ángeles (Jefa del Programa de Defensa y Promoción de los Derechos de las Personas con Discapacidad):

“Convivimos con la discapacidad, aunque no nos demos cuenta, aunque parezca que no es parte de nosotros ni de nuestro círculo más cercano, comienza a estar más presente en el colegio, en el trabajo, en las ciudades, en la televisión, en el cine y en las organizaciones”.

ARTE Y RESILIENCIA

Es importante, tener en cuenta el concepto de Resiliencia que se define como la capacidad de sobreponerse a la adversidad, dicho concepto está ligado a las habilidades sociales. Que de acuerdo con Suria, García y Ortigosa (2015): “Es la necesidad de disponer de unas adecuadas Habilidades Sociales es fundamental para el buen ajuste personal y social, sobre todo, para un colectivo como es el de la discapacidad”.

Entonces, es imprescindible contar con un alto nivel de resiliencia, lo cual va a permitir que la persona logre un mejor desempeño social. En caso de las personas con habilidades diferentes, contar con una alta capacidad de resiliencia les va a permitir una mayor integración.

El estudio realizado por Suria, García y Ortigosa (2015) demostró que la integración psicosocial de una persona con habilidades diferentes depende de una alta capacidad de resiliencia. Ahora bien, para fomentar la resiliencia en una persona, es posible usar como herramienta al arte, ya que “el arte es sanador, capacita y habilita, es libertad, comunicación, creatividad, diversidad” (Herrador, 2017).

Como se observa, todo va ligado ya que una persona que posee alta capacidad de resiliencia va a tener un mejor desempeño social, y un medio para lograrlo es dedicarse a cultivar un arte.

Emprender una actividad artística no es solamente funcional para las personas con habilidades diferentes, lo es también para la sociedad. Así lo indica Herrador (2017):

En múltiples ocasiones el trabajo que se realiza con personas con diversidad funcional solo tiene el objetivo de que ellas sean “útiles a la sociedad”, centrándose en “reparar o compensar lo que esta defectuoso”. Con esta perspectiva de trabajo se olvida lo esencial, es decir, antes de ser “útil a la sociedad” las personas con discapacidad deben sentirse “útiles para sí mismos”, dicho, en otros términos, deben concebirse una imagen real de sí mismos, una imagen completa con sus dificultades, pero, sobre todo, con sus posibilidades y capacidades. Esta perspectiva de trabajo es en la que se enmarca principalmente la metodología artística, ya que se trabaja desde la emoción y el conocimiento de sí mismo.

Las personas con discapacidad a lo largo de la historia han sido consideradas desde tan sólo dos de estas acepciones: lo que son y lo que deben ser, sin darles un permiso o en el caso que nos ocupa, una oportunidad para lo que pueden o desean ser, y encontramos en estas dimensiones que el Arte es un medio ideal para favorecer estos campos tan olvidados en el colectivo.

Por otro lado, Ballesta, Vizcaíno y Mesas (2011), indican que las personas con diversidad funcional han sido limitadas a lo que son y deben ser, y no se les ha brindado la oportunidad para lo que desean ser. Siendo el arte un camino para demostrar su esencia en toda su plenitud.

Referencias

Admirable pintor peruano sin brazos recorre el mundo llevando su obra. (14 de agosto del 2010). RPP Noticias. Recuperado de

https://rpp.pe/lima/actualidad/admirable-pintor-peruano-sin-brazos-recorre-el-mundo-llevando-su-obra-noticia-287710

Ballesta, A., Vizcaíno, O., y Mesas, E. (2011). El Arte como un Lenguaje posible en las personas con Capacidades Diversas. Arte y Políticas de Identidad, 4 (6), 137-152. Recuperado de

https://revistas.um.es/reapi/article/view/146051/130461

Barrientos, E. (2019). Hamlet, una versión que rompe mitos. La República. Recuperado de

https://larepublica.pe/cultural/2019/10/11/teatro-hamlet-una-version-que-rompe-mitos-sindrome-de-down/

Félix Espinoza, el arte de un perseverante. (20 de marzo del 2014). Correo. Recuperado de https://diariocorreo.pe/peru/felix-espinoza-el-arte-de-un-perseverante-43083/

“Hamlet”: Una obra sin temor a profundizar en la frase “ser o no ser”. (08 de noviembre del 2019). RPP Noticias. Recuperado de

https://rpp.pe/cultura/teatro/hamlet-una-obra-sin-temor-a-profundizar-en-la-mitica-frase-ser-o-no-ser-noticia-1228887

Herrador, L. (2017). Nuevas metodologías pedagógicas: Arte y Discapacidad. Revista Internacional de Apoyo a la Inclusión, Logopedia, Sociedad y Multiculturalidad, 3 (1), 183-197. Recuperado de https://revistaselectronicas.ujaen.es/index.php/riai/article/view/4252/3477

Pineda, Malena. (16 de octubre del 2015). 16 de octubre: Día Nacional de las Personas con Discapacidad. Recuperado de

https://www.defensoria.gob.pe/blog/16-de-octubre-dia-nacional-de-la-persona-con-discapacidad/

Perú21TV. (04 de setiembre del 2019). Javier Morales: El peruano que conmovió al país bailando marinera en silla de ruedas. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=x2KLMkMK2hY

Rodríguez, J. (2019). “Hamlet”: La apuesta más arriesgada del teatro La Plaza. El Comercio. Recuperado de

https://elcomercio.pe/luces/teatro/hamlet-chela-de-ferrari-dirigia-a-un-elenco-de-actores-con-sindrome-de-down-en-el-teatro-la-plaza-noticia/

Suria, R., García, J., y Ortigosa, Juan. (2015). Perfiles resilientes y su relación con las habilidades sociales en personas con discapacidad motora. Psicología Conductual, 23 (1), 35-49. Recuperado de http://rua.ua.es/dspace/handle/10045/57932

TVPerú. (12 de marzo del 2015). Casa Tomada: Oscar Medrano y Félix Espinoza. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=DgHikMp1EGg&t=589s

GENIALIDAD: ¿Por qué es tan escasa en las ciencias y abunda tanto en el arte?

Al hablar del término genio la imagen mental que usualmente se asocia es la de personas con batas blancas y cabello alborotado, matemáticos, fí­sicos y quí­micos que no dejan de trabajar en sus laboratorios. Las fotógrafas de personajes como Albert Einstein, Werner Heisenberg, y el resto de cientí­ficos del proyecto Manhattan pueden ser tomadas como referencia al mencionar esta palabra. Es una asociación consabida, y se da de forma casi autómata: referirse a los genios es hablar de cientí­ficos que a base de un largo trabajo de investigación o experimentos de ensayo y error lograron formular las leyes que rigen la naturaleza de este mundo, crear ecuaciones matemáticas que explican nuestra realidad o diseñar aparatos tecnológicos que impulsan y encaminan a la humanidad en su largo recorrido de evolución y perfeccionamiento. Por lo que con justa razón han de tener el reconocimiento y admiración que nosotros los simples mortales les podemos brindar.

¿Ellos son genios de la humanidad? Un absoluto sí­, no hay duda que estos hombres con sus producciones definieron la realidad tal y como la conocemos hoy en día. Ahora bien, ¿Son los únicos? No, como lo veremos más adelante. ¿Son los mejores exponentes del término genio? La respuesta podá causar sorpresa inicial, ya que de hecho, hay otros personajes ilustres que personifican mejor el significado de esta palabra ¿Cómo así? Bueno, espero poder despejar esta y demás dudas con el presente artí­culo, para lo cual es necesario hacer una diferenciación de términos similares.

Imagen 1: Fotografí­a de los cientí­ficos que conformaron «El Proyecto Manhattan»
Fuente; Página Web Historia General.com (2016).

¿Qué es la Superdotación, Genialidad y un Niño Talento?

Aunque parezcan términos parecidos y pueden ser tomado como sinónimos por algunos. Esto no debeá hacerse, ya que su semántica apunta a significados distintos entre s?, los educadores pueden dar fe de ello, estos profesionales se encuentran capacitados para hacer una diferenciación en el caso de tener un estudiante que se encuentre en alguna de las siguientes categorí­as: 

  • Se habla de un caso de Superdotación cuando el CI de la persona esta muy por encima de la media común, generalmente sobre los 130 puntos, aunque esto ?último varia según la edad. Antiguamente se consideraba que un niño genio se trataba aquel con un puntaje de CI superior a los 180 puntos.  Sin embargo, esta clasificación ha dejado de ser usada.
  • Se usa el termino de Genio con el niño o la persona con super dotación que además de tener el coeficiente alto, ha sido creador de una obra que puede calificar como genial. Se debe decidir por el producto de su trabajo, así mismo se toma en cuenta la creatividad y motivación que empleo al momento de realizarlo. Para sintetizar, genio no es aquel que cuenta solo con gran inteligencia, sino que hace uso de esta superdotación para ser el autor de una obra trascendental nunca antes vista.
  • Por último, es preciso realizar una diferencia entre el termino de Niño Talento como aquel infante que tiene un entendimiento superior en un área determinada, pero que a diferencia de la genialidad su obra no llega a tener la trascendencia ni importancia necesaria para calificar como genial.  

Ya dicho todo lo anterior, Los cientí­ficos son los únicos genios de la humanidad? El astrofí­sico estadounidense Neil deGrasse Tyson dedicó un episodio de su programa de divulgación científica «Cosmos» (2014) a esta constante. De acuerdo a su propia percepción y al entendimiento de su grupo de panelistas esta respuesta se encontraá en la propia definición de las ciencias, como en el caso de la fí­sica: ?… del griego «fisis» (naturaleza), es la ciencia natural que estudia, mediante leyes fundamentales, la energí­a, la materia, el tiempo y el espacio, es decir, el universo mismo. (Raffino, 2020). Una ciencia dedicada a interpretar la realidad, y como cualquier interprete no es imprescindible.

Imagen 2: Afiche promocional del programa «Cosmos» de Neil deGrasse Tyson
Fuentes: P?gina Web SCIENTIA (2014)

Claro, los fí­sicos y cientí­ficos en general logran explicar y desarrollar leyes que cambian nuestro entendimiento. Por eso mismo no dejan de ser observadores de la realidad un objeto de estudio que compartieron con otros tantos estudiosos, por ende no resulta extraño que otras personas pudieran llegar a las mismas conclusiones siguiendo métodos similares. En algunos casos los tiempos y espacios son sospechosamente cercanos entre las producciones de genios reconocidos y sus ignotos colegas. Pero eso lo veremos más adelante.

Por ahora, todos debemos recordar más o menos bien la historia de Isaac Newton (1643-1727) y la manzana que cayó, según la tradición, sobre su cabeza. Este acto llevo al cientí­fico a formular su teorí­a de la gravitación universal, ya que las mismas leyes naturales que provocaron la caída del fruto desde el árbol rigen y mantienen a la Luna en torno a nuestro planeta. (Museo de la Ciencia Vallaloid, 2010).

Imagen 3: Pintura de Isaac Newton y la revelación de la manzana.
Fuente; Pintura de Robert Hannah (1850), ví­a: ARTUK

Newton fue de los primeros en establecer las leyes que pudieron al fin dar respuesta a una de las muchas interrogantes del universo durante más de un centenar de años. Sin embargo, estas mismas leyes fueron reemplazadas por las concepciones de gravedad de otro genio, también harto conocido, Albert Einstein a principios del siglo XX. Es el paso inevitable de la ciencia, las leyes universales que son puestas a prueba y son rebatidas bajo ciertas circunstancias. Deben ser reemplazadas por otras que puedan explicar de mejor manera la realidad. Ya aclarados, al menos superficialmente, algunos de los más grandes aportes de estas dos personalidades, veamos también la polémica que acompañan estas contribuciones.

Hooke y Newton: el conflicto que cambió la historia de la ciencia.

Seguramente el nombre de Robert Hooke (1635-1703) le resulte desconocido a más de uno. Y no es de extrañarse, tomando en cuenta que no se conservaba ningún retrato de él hasta el 2012, año en el que Rita Greer decidía pintarlo en base a descripciones de la época, bajo el epitafio de «Uno de los hombres más ingeniosos que haya vivido jamás?. No es para menos, después de todo estamos hablando de la persona que denomino a las células de esa manera tomando como referencia las celdas o «cellulas» de los monjes de la época. así mismo hay una ley que lleva su nombre: la ley de Hooke, sobre el comportamiento de los resortes. Este hombre además fue experto en al menos 13 especialidades que incluí­an la fisióloga, fí­sica y astrónoma. Los historiadores de estos ?últimos tiempos no tienen reservas al denominarlo «el Leonardo Da Vinci Ingles».

Imagen 4; Retrato de Robert Hooke, y algunos de sus mayores inventos.
Fuente: Universidad de Oxford (s.f.)

¿Por qué resulta extraño entonces reconocer su nombre? Pues Hooke cometió un grave error, enfrentarse a una de las más grandes figuras de toda la humanidad: Sir Isaac Newton, quien se encargó de empañar toda obra, todo aporte y toda mención. Incluso se le señala como responsable de que no se conserve ningún retrato de Hooke. El meollo del conflicto se detallará a continuación:

Newton no fue el primero en hacer postulaciones acerca de la fuerza que mantení­a a los cuerpos celestiales en su lugar. Se trataba de una idea que, durante la década de 1670, Hooke y otros cientí­ficos se encontraban discutiendo (BBC Mundo, 2017). Sin embargo, Newton fue el que pudo probar esta idea a través de una fórmula matemática que plasmarí­a en el primer volumen de sus Principia publicado en 1686.

Robert Hooke, enterado de esto ?último, afirmo que él habí­a cimentado los primeros conceptos que llevaron a Newton a formular la ley de la gravitación universal, por lo que exigí­a el crédito correspondiente como autor de la idea primal. Sin embargo, al final lo único que recibió es una nota aclaratoria de Newton en la que decí­a que el trabajo de Hooke habí­a reavivado su interés por la astronomí­a, pero que no habí­a aportado nada nuevo.

Newton más tarde como presidente de la Royal Society en 1703 se dedicó de borrar la figura de su gran rival (Domenech, 2019). Destruyendo el legado que justamente habí­a logrado. Hoy en épocas más recientes se está tratando de reconocer el gran aporte del genio nacido en la isla de Wigth de mano de profesionales como Rita Greer.

Einstein y el aparente caso de plagio en su obra.

Quien en esta vida no ha oí­do hablar de este fí­sico alemán, considerado como el cientí­fico más importante del siglo XX y tranquilamente de todos los tiempos, su reputación lo precede tanto que es fácil de reconocer en alguna fotografí­a antigua, su sola imagen se ha convertido en un icono de la cultura popular. Y claro naturalmente todos nos sabemos de memoria la ecuación más popular de la historia: E=mc2, la equivalencia entre la masa y la energí­a.  

Pues bien, ni siquiera un genio a la altura de Einstein puede librarse de la polémica de la originalidad de su obra. Muchos historiadores sostienen que habá planteado su trabajo en base a las interacciones que tuvo con otro gran matemático David Hilbert, figura importante del siglo XX. Veamos que aconteció.

Imagen 5: A la izquierda: Albert Einstein (1879-1955). Derecha: Matemático David Hilbert (1862-1943).
Fuente: Página Web Medium.com (2019)

Nadie puede cuestionar las ideas revolucionarias que el genio nacido en Ulm tení­a de esta realidad, y que tarde o temprano estas mismas cambiaran nuestro entendimiento popular. Sin embargo, el fí­sico alemán no forma la manera de comprobar su muy conocida Teorí­a de la relatividad General. La tradición sugiere que demoro al menos una década en intentos infructuosos por demostrar y plasmar esta teorí­a.

Einstein en 1915 dio unas seis conferencias en la Universidad de Gotinga, la misma en la que David Hilbert (1862-1943) laboraba como profesor. Einstein y Hilbert se reunieron en casa de este ?último y se la pasaron discutiendo sobre los problemas que se encontraba para demostrar la teorí­a de la Relatividad. Se dice que después de esta interacción ambos hombres siguieron en contacto profesional mediante cartas, algo muy común entre cientí­ficos de la época.

Lo cierto es que luego de estas discusiones Einstein logró encontrar una solución que lo vení­a aquejando. Y finalmente, presentó la Teorí­a de la Relatividad General en la Academia de Ciencias de Berlí­n. La polémica en el asunto es que aparentemente David Hilbert habría presentado un documento, en el que detallaban operaciones y conclusiones similares, 5 dí­as antes a la fecha de entrega de Einstein. 

El artí­culo de Hibert no se publicó hasta el año posterior por lo que Einstein disfruto del reconocimiento en solitario. Y claro las observaciones no se hicieron esperar durante el siglo pasado y principios de este milenio. Actualmente la controversia ha sido zanjada ya que Hilbert se habí­a acercado bastante a las conclusiones de Einstein, pero no habí­a sido suficiente. Además, se descubrió que el fechado de los trabajos habí­a sido erróneo y que realmente el trabajo de Einstein fue entregado primero. (Jimenez, 2017).

Pese a esto, uno no puede sino preguntarse ¿Einstein habría logrado llegar a desarrollar la Teorí­a de la Relatividad General, sin la ayuda de David Hilbert? Y es que por lo menos resulta extraño que el mismo año de su encuentro en 1915, Einstein haya logrado resolver un problema que vení­a arrastrando una década atás.

Imagen 6: La creación de Adán por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina
Fuente: Wikipedia (2020)

A través de estos ejemplos, dos enormes representantes de la ciencia en toda la historia. Se ha podido establecer que la genialidad en el caso la ciencia está sumamente comprometida, al menos en su aspecto de originalidad propiamente dicha. Es algo que no se puede obviar. La ciencia se construye en base a lo que anteriormente ya se ha venido probando. Como lo expresaría el propio Newton en alguna de sus cartas en 1675: «Si he visto más lejos es porque estoy sentado sobre los hombros de gigantes».

No así en el campo de las artes. Nadie jamás podrí­a pintar algo similar a la Gioconda de Da Vinci (1503-1519) o componer una pieza musical semejante a la 5ta Sinfoní­a de Beethoven (1804-1808), escribir obra que equipare al Don Quijote (1605) de Miguel Cervantes. Son creaciones que simplemente no se pueden replicar, y si por algún motivo estos genios no hubieran podido concluir estas obras nunca nadie hubiera llegado al mismo resultado. Por el otro lado en el caso de las ciencias, Newton y Einstein, fueron hombres que se adelantaron a su tiempo, exactamente eso. Se adelantaron a una ?poca a la que finalmente hubiéramos arribado de la mano de otras figuras que, tal vez tardando un poco más, pero al final se hubiera llegado al mismo resultado, planteado a la misma conclusión y formulado la misma ley. Las leyes universales deben regir la realidad as? que teniendo todos los cientí­ficos el mismo objeto de estudio no es utópico pensar que alguien más pueda llegar al mismo planteamiento.

Establecido este último punto, me gustarí­a hablar de un genio artí­stico que a menudo pasa desapercibido. Claro, podrí­a hablar de algún otro más conocido. Sin embargo, la vida y obra de este genio merecen el espacio a continuación.

Ciudadano Kane: la más grande obra de genialidad en la historia del cine

Tal vez este título pueda resultar tendencioso, y sin embargo al mismo tiempo no dejaá de ser cierto. Se ha hablado anteriormente de como es que en las artes uno puede encontrar las más fieles representaciones de la palabra. Entonces es justo y necesario darle el crédito merecido a esta obra y a su director Orson Welles: una persona quien a través de su obra fue capaz de dar apertura a una nueva forma de hacer cine, innovando en tantos aspectos que no puede sino hablar de una verdadera pelí­cula adelantada a su época.

Ciudadano Kane (1941) considerada por los expertos y crí­ticos como la más grande pelí­cula de todos los tiempos, al menos durante el siglo pasado. Es la Opera Prima y magnum opus del director Orson Welles (1915-1985). La importancia que trajo para la industria filmogáfica tal y como la conocemos hoy día es invaluable. El cine y las pelí­culas en ese entonces se trataba solamente de un entretenimiento, nadie hasta ese momento pensó que una pelí­cula de ese calibre podrí­a hacerse. Este largometraje no es la primera expresión que hubo del séptimo arte, después de todo desde 1929 es que se desarrolla la ceremonia de los premios Oscar.

El cine ya exista antes de esta pelí­cula. Pero no se puede negar que él filme es un antes y un después en esta industria, puede que no para su filmación nada haya tenido que crearse algún instrumento técnico. Y que su máximo aporte sea en la concepción del término de «falso documental» (Wikipedia, 2020). Sin embargo, la manera de tomar todos los componentes pre-existentes en la industria y elevarlos hasta ese nivel no es más que una expresión de genuina genialidad. El creador contando solo con la experiencia de obras de teatro, fue un visionario completo pues la calidad de su obra, no tiene nada que envidiar a las grandes producciones hoy en día.

Imagen 7: Fotograma de la Pelí­cula Ciudadano Kane (1941)
Fuente: elPeriódico (2017)

Cuando se le pregunto en una entrevista a Orson Welles como es que alguien que recién iniciaba en el mundo del cine podía tratar de replantear todo lo que se conocí­a la respuesta fue esta: «De la ignorancia» de la pura ignorancia. No existe confianza que la pueda igualar. Solamente cuando conoces la profesión es cuando eres tímido o prudente. (Wheldon, 1960)

El contar una historia a través de flashbacks es una de las innovaciones de la pelí­cula. Aunque no algo completamente ajeno en el mundo de las artes, este recurso ya habí­a sido usado en obras como Cumbres Borrascosas (1939 y Poder y Gloria (1933). Dentro de la trama de la cinta se le pide a un reportero descubrir el significado de la última palabra de Charles Foster Kane, uno de los hombres más importantes de EEUU. El periodista se embarcaá en la misión de resolver que es o quien es «Rosebud» y con su paso desarrollara toda la trama a través de diálogos con el resto de personajes que conocieron a Foster Kane y ellos daán mayores luces sobre la vida del hombre que ahora yace muerto. Cada uno de estas personalidades tiene su propia visión de sucesos especí­ficos, haciendo énfasis en la fluctuación de los recuerdos que experimentan las personas en la vida real. Pero todos comparten una idea en común, Foster Kane era un hombre infeliz y vil que, aunque era dueño de todo cuanto quisiera nunca pudo encontrar la felicidad en la riqueza que lo acompañaba. Con todo lo querido perdido, muere en la soledad de su palacio en Xanadu.

El director se inspiró en la vida de una persona real, el magnate de la comunicación William Randolph Hearst (1863-1951) quien molesto por la manera en que se veía retratado en la cinta ordeno destruir las copias a las que le pudo dar alcance y sabotear de toda manera posible el estreno de la misma. La pelí­cula fue nominada a los premios Oscar en medio de abucheos financiados por su más acérrimo detractor. El director perdió el contrato con la productora RKO por lo que busco inversiones para sus próximos proyectos en el extranjero. viviendo en la miseria y el desconocimiento del público de su propia nación.

Muchos consideran que tal vez Orson en la pelí­cula vaticinara el trágico destino que tendrí­a. Ya que ambos mueren sin familiares que los acompañen, ambos saborearon la gloria en la juventud la misma que durante el ?último trayecto de su vida les fue esquiva. Sin embargo, sus amigos más cercanos salieron a desmentir esto afirmando que el director nunca habí­a lamentado su destino y tampoco paso? en solitario sus ?últimos dí­as. así mismo, terminaron con una reflexión que, a juicio personal, podrí­a condensar la vida del director de buena manera: Orson no ha sido otro fracaso de Hollywood, Orson ha sido en cambio el más exitoso director de cine independiente de todos los tiempos (Wikipedia, 2020).

La historia oculta de 'Ciudadano Kane'
Imagen 8: Orson Welles caracterizando a Charles Foster Kane
Fuente: La Vanguardia (2016)

Para concluir, como se mencionó al inicio del presente artí­culo cuando se habla de los grandes genios de la humanidad usualmente se piensa solo en cientí­ficos, desestimando a los grandes exponentes de las artes y su labor, sin embargo, son quienes encarnan mejor el uso de la palabra. Una obra de arte jamás podría ser igualada, imitada o recreada idénticamente, sin tener esa intención. Dos artistas con un mismo mensaje nunca lograran el mismo resultado, cada obra de arte refleja parte de la esencia del autor, y es bien sabido todas las personas son distintas entre s?. Como se expuso anteriormente al hablar de genialidad se habla también de originalidad y motivación. Originalidad que no es posible alcanzar en la rama de las ciencias, ya que incluso las mentes más brillantes y máximos exponentes cientí­ficos no pueden librarse de algunas acusaciones de sospechosa similitud, por no hablar de casos de plagio en el buen cristiano.

Aunque el contenido del presente artí­culo pueda ser visto como un intento de desmerecimiento a la gran obra de las personalidades de la ciencia, criticando o tratando de poner en duda la legitimidad de sus trabajos. Nada estaá más alejado de la intención que me acompañaba durante el proceso de escritura. Seria remiso de mi parte no valorar el gran aporte e importancia de las figuras antes mencionadas, son hombres que se han forjado un lugar en la historia y merecen nuestro justo reconocimiento por su incansable labor en favor de llevar a la especie humana al entendimiento de nuestra realidad. El objetivo del presente artí­culo en cambio es poner en realce a los genios de las artes que muchas veces son ignorados y sus productos artí­sticos desestimados frente a sus similares de la ciencia.

Tal vez la próxima vez que alguien mencione la palabra genio usted pueda pensar, a parte de los clásicos cientí­ficos, en figuras como W. Whitman (1819-1892) en la literatura, O. Welles (1915-1985) en el cine, L. van Beethoven (1770-1827) en la música, por mencionar solo a algunos. Hombres que, desde sus producciones, dieron a conocer un valioso mensaje que carga con la motivación y originalidad a la que solo unos pocos son capaces de acceder. Y que sin ningún reparo se les debe dar la categorí­a de genios. Haciendo buen uso del término, amen que así sea.

Referencias

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Domenech, F. (2019) Hooke, el genio cuyo gran error fue enfrentarse a Newton. BBVA OpenMind. Recuperado de: https://www.bbvaopenmind.com/ciencia/grandes-personajes/hooke-el-genio-cuyo-gran-error-fue-enfrentarse-a-newton/

Jimenez, J. (2017). ¿De verdad Einstein no fue el padre de la teorí­a de la relatividad? TecnoXplora. Recuperado de: https://www.lasexta.com/tecnologia-tecnoxplora/ciencia/divulgacion/verdad-einstein-fue-padre-teoria-relatividad_201705085910f3330cf2503a9a1cfe97.html

Museo de la Ciencia Vallaloid (2010). La historia de Newton y la manzana? Recuperado de: http://www.museocienciavalladolid.es/la-historia-de-newton-y-la-manzana/

Raffino, M. (2020). Concepto de Física. Concepto. De. Recuperado de: https://concepto.de/fisica/

Im?genes:

ARTUK. (s.f.). Master Isaac Newton inHis Garden at Woolsthorpe, in the Autumn of 1665. ARTUK. Recuperado de: https://artuk.org/discover/artworks/master-isaac-newton-in-his-garden-at-woolsthorpe-in-the-autumn-of-1665-216055

elPeriódico. (2019). Fotograma de la Pelí­cula Ciudadano Kane (1941). Recuperado de: https://www.elperiodico.com/es/cuaderno/20160501/ciudadano-kane-cumple-75-anos-5094329

Franciscojaviertostado. (2020). Retrato de Robert Hooke de Oxford. Recuperado de: https://franciscojaviertostado.com/2020/07/23/robert-hooke-el-leonardo-da-vinci-ingles/

Historia General (2016). Qu? fue el Proyecto Manhattan. Historia General. Recuperado de: https://historiageneral.com/2014/06/19/que-fue-el-proyecto-manhattan/

Wikipedia. (2020). La creación de Adán por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. Recuperado de: https://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%B3veda_de_la_Capilla_Sixtina

La estética y pensamiento del Romanticismo en el arte y el hombre

Resumen

En este breve ensayo elegí a la época del Romanticismo como objeto de reflexión, ya que creo que dentro de este periodo encontramos el mejor y más completo manejo de las esencias invariables del arte, las poéticas, debido a su sustancia, pero también debido a su caácter innovador y fructí­fero para el ser humano, diferenciado del pensamiento de épocas anteriores y posteriores. Mi intención es justificar dicha creencia, recurriendo al pensamiento y expresión del Romanticismo, pasando por su contexto histórico, luego por el plano artí­stico, seguidamente de una breve mención del encuentro del Romanticismo con el hombre de hispano, para finalizar con una reflexión de corte filosófico.

Palabras clave: Pensamiento, estética, poéticas, belleza, verdad

Contexto Histórico

«Novena Ola» de Iván Aivasovzki

Es sabido que el modo de pensar del Siglo XIX, fue muy influenciado por la idea del cambio, de la transformación, por el deseo de un progreso material y moral en el ser humano. En este concepto de variación constante se ve plasmando el periodo artí­stico del Romanticismo, dejando atás el concepto formalista del Clasicismo. Es el Romanticismo el periodo en el que el hombre comenzó a darle un énfasis notorio a la sensibilidad, a lo afectivo, al idealismo y a la angustia por el propósito de la existencia de hombre.

«El Romanticismo rápidamente se posesionó del sentimiento humano hasta adquirir el poder de darle sentido a la vida, y situarse más allá de una simple acepción conceptual, porque pasó a ser considerado en el ámbito de dos perspectivas históricas: por un lado, lo refieren a una etapa histórica determinada, la cual se extiende entre 1780 y 1830 (…), pero, por otro lado, el Romanticismo, por su complejidad, desbordó estos lí­mites, pues, sus caracterí­sticas esenciales sobrepasaron en mucho el mero hecho de ser un movimiento cultural e histórico de efí­mera duración, para situarse en una constante histórica y presentarse como un fenómeno eterno«. (Yegres, 2015, p. 20)

El Romanticismo en el Arte

La manera del Romanticismo de aproximarse a la música, fue a través de una construcción orgánica, y para ello, es esencial dar énfasis a la armoní­a. Tanto en la música como en la vida, Romanticismo busca la armoní­a, la continuidad y la consonancia, libre de los esquemas que antes se usaban. Reflejando esto en la música, a través de disonancias; independizándose de tonalidades y haciendo que los acordes se vuelvan sonoridades autónomas. Compositores como Franz Liszt -el mayor referente y principal responsable de estos cambios-; Berlioz; Berg y Beethoven (como precursor), entre otros, dieron forma a esta nueva forma de expresión con la música.

«El caminante sobre el mar de nubes» de Caspar David Friedrich

Por otro lado, para la aproximación en la pintura, podemos hacer uso del análisis simbólico. En el cuadro «El caminante sobre el mar de nubes» pintado en 1818, nos muestra la representación del encuentro del hombre y su presente, con el camino hacia su destino y futuro definitivo. Este cuadro se convirtió en sí­mbolo del Romanticismo alemán (Deutsche Welle, 2015). Cualquiera de nosotros puede ser este hombre en el cuadro somos nosotros. Al no ver su rostro, uno mismo se puede posicionar en pintura. Nosotros somos los protagonistas de nuestro propio camino, y a pesar de nuestras debilidades (que pueden ser simbolizadas con el bastón que lleva el caminante), al igual que en el cuadro, podemos contemplar lo que nuestro futuro nos depara, un panorama incierto, con un camino largo y accidentado, pero al mismo tiempo somos capaces de vislumbrar un destino final gigantesco y eterno.

Johann W. von Goethe, poeta; novelista; cientí­fico y figura fundamental del Romanticismo

En el plano estético del arte en general, podemos apreciar que las poéticas de este periodo son de caácter revolucionario en cuanto a los usos de las técnicas de creación e interpretación, pero no existe un cisma violento en este nuevo acercamiento hacia el arte. Las poéticas del Romanticismo siguen buscando la belleza, estéticamente hablando, a través de obras más desafiantes. Esto precisamente se refleja en la manera de ver la vida en el Siglo XIX, como se mencionó anteriormente.

El Romanticismo y el hombre hispano

Cesar Vallejo se graduó como bachiller en Letras con su tesis «El Romanticismo en la poesí­a castellana»

La relación entre el Romanticismo y el hombre, no es solamente unidireccional, ambos se complementan e influyen. Por ende, la interacción del Romanticismo con las distintas razas de hombre, nos dan resultados particulares hasta cierto punto. A sabiendas de esto, Cesar Vallejo nos indica seis caracterí­sticas particulares del hombre español: «El predominio de la fantasía, expresado por una filosofí­a idealista; un fondo melancólico y exquisito sentimentalismo; refinada sensibilidad; predominio de los sentimientos de amor, honor, patriotismo y religión, traducidos en sublimes pasiones, violencias de sangre y misticismos fanáticos; el instinto por la belleza de las formas y lo sonoro y lo grandioso y como medio que facilitó el triunfo del romanticismo, el caácter vehemente y voluble de su Psicologí­a». (1954, p. 19)

Si bien el Romanticismo fue un movimiento europeo, su espí­ritu fue capaz de sobrepasar fronteras llegando así a Latinoamérica. Vallejo declaró que los poetas peruanos de su tiempo, lamentablemente, solo se limitaban a la imitación y no aprovechaban las posibilidades artí­sticas de nuestro choque y mezcla cultural (1954, p. 64).

Conclusiones

Ludwig van Beethoven

Beethoven dijo: «Lo difí­cil es bueno, lo difí­cil es bello, lo difí­cil está más cerca de la verdad» (Marshall y Cellan Jones, 2003), para referirse a la dificultad de sus composiciones.

Ahora, ¿Qué es la verdad para Beethoven?, o mejor dicho, ¿Quién es la Verdad para Beethoven? Para Beethoven, Dios es la Verdad. En sus propias palabras:

«Dios está más cerca en el arte. La música es una revelación más alta que toda sabidurí­a y toda filosofí­a… No tengo amigos. Debo vivir solo. Pero yo sé que, en mi arte, Dios está más cerca de mí­ que de los demás; yo me acerco a él sin temor; yo siempre lo he reconocido y comprendido. Por eso, la suerte de mi música no me inquieta; ningún mal puede provenir de ella; el que la comprenda se liberará de la miseria que arrastra a los hombres». (Plazaola, 2007, p. 591)

De aquí quisiera resaltar que Beethoven ubica a lo bello, junto a lo bueno y la Verdad y que se haya preocupado de no transmitir algún tipo de mal en su música. Y que buscase, mediante su obra, ayudar a la liberación los pesares y dolores del ser humano.

Si bien las poéticas pueden buscar en otros lugares, aparte de la belleza y aun así guardar una estética correcta (Plazaola, 2007, p. 277), puede que ir, hacia una belleza difí­cil; buena y de dimensión espiritual, en el plano estético, sea la manera más sublime y completa de expresión artí­stica. Beethoven y el pensamiento romántico en general lo afirmaban de este modo.

Oscar Miró Quesada (según Vallejo, 1954, p. 18) decí­a que «las emociones estéticas que la contemplación de la belleza produce, sacuden y revuelven el espí­ritu profundamente, agitando las actividades psí­quicas, sentimentales más ocultas; y siendo de este modo un poderoso reactivo para el alma».

Se debe darle virtud espiritual a lo material, para alcanzar una conmoción y deleite de corte bondadoso para el alma. Buscar la Verdad y la Belleza en un camino difí­cil, es lo que brinda el sentido de la existencia del ser humano.

Referencias

  • Deutche Welle. [DW Español]. 2015, agosto 10). Reencuentro con obras maestras Caspar David Friedrich: El caminante sobre el mar de nubes Euromaxx [Archivo de video]. Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=myDVbX9uOYI
  • Marshall, L. (Productora), Cellan Jones, S. (Director). (2003). Eroica [Pelí­cula]. Reino Unido: BBC.
  • Plazaola, J. (2007). Introducción a la Estética. España: Publicaciones de la Universidad de Deusto.
  • Vallejo, C. (1954). El Romanticismo en la poesí­a castellana. Lima: Juan Mejí­a Baca y P. L. Villanueva Editores.
  • Yegres, A. (2015). Filosofí­a, Ilustración y Romanticismo. Revista de Investigación. Caracas, Venezuela. Universidad Pedagógica Experimental Libertador. 39(86), pp. 11-38.